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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Del mito al tópico; del tópico a los géneros”.
Invitado: Eduardo Russo. Doctor en Psicología Social. Dirige el Doctorado en Artes de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Profesor de “Teorías del Audiovisual” y de “Análisis y Crítica”. Autor de “Diccionario de Cine” (Paidós, 1998) y “El cine clásico: itinerario, variaciones y replanteos de una idea” (Manantial, 2008). Compilador y autor de “Interrogaciones sobre Hitchcock” (Simurg, 2001), “Cine Ojo: un punto de vista en el territorio de lo real” (2007), “Hacer Cine: Producción Audiovisual en América Latina” (Paidós, 2008). Dirige la publicación académica “Arkadin. Estudios sobre Cine y Artes Audiovisuales”.
Temas desarrollados: Diferencias entre tópico y cliché. El aporte de Gilles Deleuze; su mirada sobre el siglo veinte,“el siglo del cliché”. Mutación hacia el audiovisual contemporáneo. La sociedad de redes del siglo veintiuno. Las miradas crepusculares sobre lo cinematográfico. Desplazamiento del centro. La comedia como género que piensa los géneros y subvierte sus propias reglas. Licencias de la comedia en el tratamiento de los roles sexuales: lo queer. Tópicos en las vanguardias cinematográficas. El humor en Franz Kafka. La identificación como dificultad para el humor. La figura del antihéroe en los 60/70. De lo crepuscular a lo apocalíptico. La deconstrucción por la deconstrucción misma, como apuesta contemporánea. Estructura de las series. Casos de borde. Estructura de las soap ópera (telenovelas norteamericanas). Identificación con el villano. Estrategias narrativas de las producciones de “El Pampero Cine”. Nuevas formas identificatorias. Incorporación de las nuevas plataformas.
Autores, películas y series mencionadas: Howard Hawks, Luis Buñuel, “Alicia en las ciudades” (Wim Wenders, 1974), “Blow up” (Michelángelo Antonioni, 1966), “La caracola y el clérigo” (Germaine Dulac, 1928), “Funny games” (Michael Haneke, 1997), “Crímenes del futuro” (David Cronenberg, 2022), “Saló. Los 120 días de Sodoma” (Pier Paolo Pasolini, 1975), “Cowboy de medianoche” (John Schlesinger, 1969), “¿Qué pasó con Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), “La última película” (Peter Bogdanovich, 1971), “Ciudad dorada” (John Huston, 1972), “¿Quién golpea a mi puerta?” (1967) y “Taxi driver”(1976) - ambas de Martin Scorsesse -, “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan), “El camino” (Guilligan, 2019), “Roma” (Alfonso Cuaron, 2018), “Mulholland drive” (2001) y “Twin peaks, el retorno” (serie, 2017) - ambas de David Lynch -, “Dallas” (1978-2014) -serie de David Jacobs-, “Falcon Crest” (1981-1990) -serie de Earl Hamner-, “La flor” (Mariano Llinas, 2018), “Argentina, 1985” (Santiago Mitre, 2022), “División Palermo” (2023) – serie de Santiago Korovsky -.1 week, 1 day ago por LuisFrancCine - 31 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “La mirada a través del tiempo”.
Tema del día: El espectador desde los comienzos del cine hasta el presente. Del tiempo de las creencias al quiebre en la Segunda Guerra Mundial. Los tiempos presentes del espectador y la relación con la digitalización y los nuevos dispositivos. Del espectador al crítico. Edades de la crítica de cine y la tarea del crítico de hoy.
En esta ocasión invitamos a Eduardo Russo – teórico, docente, crítico, Director del Doctorado en Artes de la Universidad de La Plata, director de la `publicación “Arkadin”, autor de uno de los diccionarios de cine locales más consultados y habitual traductor y prologuista de las ediciones argentinas de los textos del cineasta y teórico Jean Louis Comolli – y Roger Koza (@ojosabiertos1968) - crítico, docente, director de la publicación virtual “Con los ojos abiertos” (http://www.conlosojosabiertos.com/), creador y conductor del espacio radial “La oreja de Bresson” (Radio Universidad – AM 580) y del programa televisivo “El cinematógrafo” (Canal 10 de la Universidad de Córdoba), director artístico del Festival de Cine de Cosquin y del Doc Buenos Aires - .
La dinámica en esta oportunidad se planteó con ambos invitados juntos, abriendo el juego Russo con reflexiones sobre el último texto de Comolli: “El fin de la ilusión. Paradigmas, transformaciones y tensiones en la construcción del espectador audiovisual” (Ediciones UNGS), donde plantea las diferentes edades del espectador de cine, desde los comienzos hasta la conformación de la creencia en el mundo a través de la pantalla, luego el momento en que dicha creencia se rompe, hasta los tiempos actuales con la digitalización y las nuevas tecnologías que suscitan nuevos vínculos con las imágenes y usos de los dispositivos.
A continuación, establecimos un puente para que Koza despliegue su pensamiento sobre el tema conectando la figura del espectador y el crítico, con eje en su texto sobre lo que considera que son hoy las tres formas actuales de la crítica cinematográfica: “Breves apuntes sobre una física de la crítica” (http://www.conlosojosabiertos.com/breves-apuntes-sobre-una-fisica-de-la-critica/). Finalmente, reflexionó sobre la necesidad de tender un puente crítico entre las culturas, experiencias e impresiones de los siglos veinte y veintiuno.
Ambos invitados se dedicaron todo el programa a establecer los vasos comunicantes entre las problemáticas del espectador y la crítica.1 year ago por LuisFrancCine - 66 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Un tumor se expande”.
Invitado: Rocco Carbone (@roccocarboneok). Filósofo italiano, naturalizado argentino. Vive en Buenos Aires. Su área específica es la filosofía de la cultura, las lógicas del discurso y los procesos culturales y políticos del mundo, especialmente de Latinoamérica. Estudió en la “Università degli Studi della Calabria” con argentinos exiliados. Doctor en Filosofía por la Universidad de Zúrich. Investigador del CONICET. Trabajó junto a David Viñas en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Escribe en el medio digital “El cohete a la luna” sobre la mafia enquistada en la vida política argentina; específicamente en la teoría del Estado del gobierno de la Alianza Cambiemos. Se pueden leer sus textos aquí: https://www.elcohetealaluna.com/author/rocco-carbone/.Entre su vasta obra se cuenta: “Mafia argentina. Radiografía política del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2021); “Serafina Dávalos. Feminista” (Ediciones UNGS, Los Polvorines, 2020); “Mafia capital. Cambiemos: las lógicas ocultas del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2019); responsable de las compilaciones “Museo de las Lenguas de la Eterna” (Universidad Nacional de General Sarmiento/Biblioteca Nacional/Museo del Libro y de la Lengua, Los Polvorines/Buenos Aires. 2012) y “La sonrisa de mamá es como la de Perón: Capusotto, realidad política y cultura” (del autor y Matias Muraca - del Imago Mundi/Universidad Nacional de General Sarmiento, Buenos Aires/Los Polvorines. 2010)
Temas desarrollados: Definición de mafia. Cuando la mafia se apodera del aparato estatal. El caso argentino. La mafia como poder invisible. Reconstrucciones ficcionales. El sur de Italia como paradigma. Los casos de Estados Unidos, China y Rusia. “Los monos” en la ciudad de Rosario. Negocios ilegales de la mafia: trafico de estupefacientes, de personas, contrabando de armas de guerra. Negocios legales: bares, restaurantes, recolección de basura, construcción de autopistas, peajes, compañías de aviones low cost, energías renovables. Acumulación de poder y colonización de los estados como objetivo central. El experimento de la alianza Cambiemos durante el período 2015-2019. La década del treinta como recurrencia. Las mafias como antiguas formas culturales, elaboradoras de mitos y lenguajes propios. Las canciones de la mafia. La mafia como narrativa. Aportes y reduccionismos en “El padrino”. Disputas de poder entre organizaciones. La mafia calabresa. La Cosa Nostra. De la violencia continua a la violencia necesaria.
Autores, películas y series mencionadas: Pier Paolo Pasolini, “El padrino” (Francis Ford Coppola, 1972), “La joya de Shangai (Zhang Shimou, 1995), “La maffia” (Leopoldo Torre Nilsson, 1973), “La mala vida” (Hugo Fregonese, 1973), “Gomorra” (Mateo Garrone, 2008), “Peaky Blinders” (serie) (2013-2022), “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan).2 weeks, 1 day ago por LuisFrancCine - 37 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: ""Una cámara registra"
Tema del día: Surgimiento de los primeros registros. La observación convive con la puesta en escena. Alternativas del documental. El documental apócrifo. Períodos del documental a través del tiempo.
Contamos con la palabra de Luis Bernardez - director de "Los corroboradores" (2018) - con quien reflexionamos sobre el hecho documental y sus posibilidades, haciendo eje en su propio material. Luego entrevistamos a Emilio Bernini - Doctor en Letras (UBA) y editor de la revista de teoría cinematográfica "Kilómetro 111" - ,quien estableció los diferentes períodos del documental desde los comienzos del cine hasta el presente, tema trabajado extensamente en su ensayo "Tres ideas de lo documental. La mirada sobre el otro" (Kilómetro 111 - Número 7 - año 2014).1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 57 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “De la completitud a los restos”
Tema del día: El mundo armónico y los restos. Los restos de la sociedad y los restos del cine. Restos como producción. Formas organizadas a partir de los restos. Restos como nuevas imágenes. La dictadura cívico militar como promotora de restos. Restos como periferias.
En esta oportunidad charlamos con Sebastian Russo (@sebastianrussobautista) – sociólogo, escritor, ensayista, investigador, videoartista, codirector de la plataforma y editorial “VerPoder – Ensayos de la mirada” – sobre qué pensamos como resto, la dictadura cívico militar como régimen visual, los restos del modo de ver de la dictadura en el periodo democrático, su trama político-visual, el aplanamiento de la experiencia versus las resistencias, el ejemplo del conurbano con el cine de Raúl Perrone, el resto como salvación (Agamben), como lo no contemplado, lo desechable a la vez como esperanza, el cuerpo sin órganos y el caos-germen (Deleuze). Ejemplos de Turner y Jackson Pollock. También citó el concepto de mirada “quebrada” (Fontán), el peso del tiempo, el rol del cuerpo y la dictadura como generador de deshechos en “Habeas corpus” (Acha), la naturalización de los deshechos en tanto exclusión como promoción cultural del sistema neoliberal, la devastación recapturada por las series televisivas de la posmodernidad, las imágenes que sobran y las que faltan y la pregunta sobre quienes son los que faltan.
Artistas plásticos citados: Joseph Turner, Jackson Pollock.
Escritores citados: Nestor Perlongher, George Orwell.
Películas y directores de cine citados: Raúl Perrone, César Gonzalez, Gustavo Fontán (“La orilla que se abisma, 2008), Jorge Acha (“Habeas corpus”, 1986), Lucrecia Martel, Harun Farocki, Alexander Kluge.
Filósofos y teóricos citados: Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Hito Steyrel, Guy Debord.
Textos citados: “Los espantos: Estética y posdictadura” (Silvia Schwarzböck, 2015), “Maraña” (Gustavo Fontán, 2021), “1984” (George Orwell, 1948), “En defensa de la imagen pobre” (Hito Steyrel, 2014),5 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 35 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La ciencia, a favor y en contra de la raza humana”.
Tema del día: Lo científico tomado por la literatura. De la literatura al cine. Integración de la ciencia ficción con otras estructuras. Distopías. Reformulación del género en el tiempo. Las guerras mundiales como bisagra.
Conversamos con Matías Carnevale (Facebook: “Nostromo, club de ciencia-ficción”) - Licenciado en Lengua Inglesa (UNSAM). Periodista cultural, autor de reseñas, entrevistas y artículos en Infobae, Ñ, La Voz del Interior y Le Monde Diplomatique Cono Sur. Autor de “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (2019). Coordinador de la publicación de ensayos “Ray Bradbury, el hombre centenario” (2020), “Exploraciones. Ensayos en torno a Pablo Capanna (Ediciones de la UNQUI) y “Pull my Daisy y otras experimentaciones: La generación beat y el cine” (Alción Editora) (2022) – quien se encargó de pensar con nosotros el vínculo temporal del surgimiento de la ciencia-ficción con el del cine durante el siglo XIX, la diferencias de las historias de ciencia-ficción ente aquel siglo con el siglo XX, la bisagra de las guerras mundiales y la bomba atómica, la idea de progreso indefinido, las historias en donde el género se ubica a favor de la raza humana y las que se inclina a su destrucción, la influencia del surrealismo en el género, los usos negativos del término “ciencia¬-ficción”, el rol de la posmodernidad, la relación con otros géneros como el terror, la idea de la conspiración como eje en algunos relatos, o de la manipulación por medio de la televisión, la mutación del rol de los superhéroes en el tiempo, Superman y el mito.
Películas y directores de cine citados: “Viaje a la luna” (Georges Melies, 1902), “Alien” (Ridley Scott, 1979), “Brazil” (Terry Gilliam, 1985), “2001: A Space Odyssey” (Stanley Kubrick, 1968), “E.T. El Extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), “V - Invasión Extraterrestre” (Kenneth Johnson, 1983) (serie), “Capricornio Uno” (Peter Hyams, 1977), “Videodome” (David Cronenberg, 1983), “Hallowen 3. Temporada de la bruja” (Tommy Lee Wallace, 1982), ”La sustancia maldita” (Larry Cohen, 1982), “Terminator” (James Cameron, 1984), “Twin Peaks - Tercera temporada (serie) (David Lynch, 2017), “Solaris” (Andrei Tarkovski, 1972), “Stalker – La zona” (A.T., 1979), “Alphaville” (Jean Luc Godard, 1965), “El mundo conectado” (Rainer Werner Fassbinder, 1973) (teleserie).
Textos y escritores citados: “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (Matías Carnevale, 2019), “De la tierra a la luna” (Julio Verne, 1865), “Los primeros hombres en la luna” (H.G.Welles, 1901), “Cyrano de Bergerac” (Edmond Rostand, 1897) (obra teatral), “Frankenstein” (Mary Shelley, 1818), “El Eternauta” (Héctor Germán Oesterheld/Francisco Solano Lopez, 1959) (historieta), Jonathan Swifft, Edgar Allan Poe, Isaac Asimov, Ray Bradbury.4 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 22 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “De espectáculos y Sueños”.
Tema del día: La herencia teatral del musical. La promoción de una ilusión. La creación de un mundo tan artificioso como verosímil. Praxis del musical. Componentes perceptuales a partir de la sonoridad y la organización de la puesta en escena de un musical.
En el primer tramo del programa conversamos con Agustina Buchbinder (@agusbuch) - Licenciada y Profesora en Letras por la UBA; docente de Lengua y Literatura en nivel medio e investigadora en teoría literaria y literatura española; crítica en Revista Encuadra (@revistaencuadra) donde dictó en Julio de 2021 el curso “Un gigantesco sueño: ideas sobre el musical”, y estudiante de comedia musical -. Con ella abordamos aspectos como el musical clásico del Hollywood de los años cincuenta, los juegos con el absurdo, la idea del verosímil que incluye un artificio expreso, el quiebre planteado en los sesenta y setenta con casos como “Wes side story” (Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) u “All that jazz” (Bob Fosse, 1979), el caso en los ochenta de “Little shop of horrors” (Frank Oz, 1986) y el concepto deleuziano de “sueño implicado” para pensar este género.
En el segundo tramo tuvimos la presencia de Augusto Sinopolli (@augusto.sinopoli) – Licenciado en Dirección Orquestal (UCA) e integrante de la Compañía Teatral Old Tempest (@oldtempest) a punto de estrenar su séptimo trabajo -. Con él conversamos del modo de estructurar un musical, de la incorporación al mismo de la danza, del canto, de los momentos de interrupción o de baja de la intensidad en medio del mismo espectáculo, de los aspectos que debe tener en cuenta un director de orquesta, del rol central de la voz y sus diversas posibilidades (como la voz en relación al canto, a la actuación, a los diferentes estados emocionales como los momentos meditativos, al uso de los leitmotiv en momentos específicos), de los modos de aparición de la ópera en el cine y los peligros en ciertos usos de tal género.10 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 16 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “En el comienzo fue la imagen”.
Tema del día: La imagen como preexistente del verbo. Artes plásticas e instituciones. El rol del museo y la curaduría. El cine como expresión de todas las artes. Vínculos de la pintura con obras cinematográficas.
En esta oportunidad contamos con la palabra de Daniel Santoro (@danielsantorooficial) para adentrarnos en los vínculos, tensiones de las artes plásticas y su relación con el cine. Para ello se refirió al cine como lenguaje, la ontología de la imagen compartida por todas las artes, la pintura como madre de todas las artes plásticas, Walter Benjamin y la imagen como aura, la mitología que se teje en torno a un cuadro, la obra de Katsushika Hokusai “La gran ola de Kanagawa” como disparador de imágenes de mares en el cine, la imagen que antecede al verbo, el estatuto mítico de las imágenes, el arte conceptual, Duchamp y la apertura de lo escópico a lo conceptual, el siglo veinte como época que se prometía “picassiana” pero terminó siendo “duchampiana”, el curador como meta-artista, el montajista de cine como curador, lo inefable en la pintura, Pierre Bonard como enemigo de Pablo Picasso, el arte conceptual como sistema de producción semántico, la pulsión escópica versus la producción semántica, el cine de terror como ejemplo de pulsión escópica, el preciosismo en la pintura y el cine, la estructura visual de la fotografía, la relación entre el barroco y el cine, y el error como producción.
Artistas plásticos citados: Eduardo Stupia, Pablo Picasso, Horacio March, Marcel Duchamp, Pierre Bonnard, Eduardo Sívori, Giorgio Morandi, Enrique Policastro.
Obras citadas: “La gran ola de Kanagawa” (grabado de Katsushika Hokusai), “La ballena. El metamuseo” (instalación del Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Ana Aldaburu, María Negro, Roberto Plate), “Fuente” (readymade de Marcel Duchamp), “El despertar de la criada” (oleo de Eduardo Sívori), “Infieles” (muestra de pinturas, dibujos, collages y videoarte).
Películas y directores de cine citados: “La ballena va llena” (Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Marcelo Céspedes -, 2014) (https://www.youtube.com/watch?v=t65XVVE7zcw); “Psicosis 24 horas” (Douglas Gordon, 1993); “Andrei Rublev” (Andrei Tarkovski, 1966); “Twin Peaks” (David Lynch, 1989/90/2017); “Citizen Kane” (Orson Welles, 1941); "Ocho y medio" (Federico Fellini, 1963), Alfred Hitchcock, Peter Greenaway.
Filósofos y teóricos citados: Walter Benjamin, Maurice Merleau-Ponty, Friedrich Nietzsche, Noel Burch.9 months ago por LuisFrancCine - 50 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La identidad como problema”.
Tema del día: Identidad y multiplicidad. El caso de la Zwi Migdal argentina. El conflicto palestino israelí desde las producciones hollywoodenses. Formas de resistencia desde el cine. Los casos de Avi Mograbi, Eyal Sivan y Ari Folman.
Contamos con la presencia de Larry Levy (@larrylevy57) – periodista internacional en “SL&Asoc.” y “EntreLíneas Comunicaciones Corporativas”, editor y presentador de noticias en “Alef Network”, corresponsal de “Radio Mitre” y “Radio Caracol” (ambas desde Tel Aviv), columnista en “Quedate con el vuelto” por Radio Rebelde, creador y conductor de “Nosotros, los otros” emitido en Radio Hache, hoy en Radio Caput, autor del libro “La mancha de la Migdal. Historia de la prostitución judía en la Argentina” – quien se refirió a la pretensión de una identidad “judía” de los proxenetas de la Zwi Migdal, la confluencia de identidades en el Estado De Israel, el preludio del conflicto desde Inglaterra y Francia, las diferencias entre chiitas y sunitas, al sionismo actual como “neoliberalismo expresado en Medio Oriente”, al mundo árabe como cultura y al florecimiento contemporáneo del documentalismo de denuncia de las atrocidades de la ocupación. Mencionamos el rol de la productora norteamericana Cannon en la promoción del punto de vista sionista, y cuestionamos la idea de diáspora.
En el marco del programa escuchamos la visión de Cristina Fernandez de Kirchner (@cristinafkirchner) sobre el conflicto.
También tuvo la palabra Oscar Cuervo (@laotra21) - filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra y especialista en Soren Kierkegaard - quien delimitó el origen del conflicto entre el fin de la Segunda Guerra Mundial y la creación del Estado de Israel. Cuervo selecciona y analiza tres películas como eje de las “mutaciones” en las formas del cine: “Z32” de Avi Mograbi (#avimograbi), “Ruta 181. Fragmentos de un viaje en Palestina- Israel” de Eyal Sivan (Francia, Bélgica, Alemania, 2004) y “Vals con Bashir” (Ari Folman, 2008). E introduce en su análisis el contrapunto entre los sentidos de los términos “Shoah” y “Nakba”.
Películas y directores citados: “Los árabes malos del celuloide. Como Hollywood vilipendia a un pueblo” de Jeremy Earp y Sut Jhally (Estados Unidos, 2006), “Exodo” de Otto Preminger (Estados Unidos, 1960), “Z32” de Avi Mograbi (Israel, 2008), “Fauda” (serie) (Lior Raz y Avi Isaacharoff, 2015), “Shoah” (Claude Lanzmann, 1985), “Difamación” (Yoav Shamir, 2009), “Vals con Bashir” (Ari Folman, 2008).
Textos citados: Larry Levy: “La mancha de la Migdal. Historia de la prostitución judía en la Argentina”.3 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 41 plays
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con Emiliano Colavitta – Docente universitario con experiencia en comunicación en medios, estudiante de la Maestría en Docencia Universitaria en la Universidad Tecnológica Nacional (UTN), locutor, poeta; actualmente trabaja en la digitalización del archivo sonoro de Rodolfo Kusch para el programa “Pensamiento Americano” de la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF) (http://www.untref.edu.ar/pensamientoamericano/programa.php) - , quien nos contó sobre dicho proyecto además de referir a lo popular como “lo segregado de la clase media”, el viaje de Kusch a Perú y la reformulación de la idea de fragilidad, lo académico y la educación no formal, el interrogante sobre el hecho de “ser el otro”, el hecho de ensayar una palabra nueva, la “antropología filosófica” y el programa “Pensar en movimiento”. Colavitta recomendó especialmente el texto del filósofo: “Indios, porteños y dioses”. La página de la UNTREF donde hallar directamente el material de Kusch es http://untref.edu.ar/icaatom/index.php/fondo-rodolfo-kusch;isad
10 months, 1 week ago por EvaMata - 9 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La torre de Babel del cine argentino”
Tema del día: Formas a través del tiempo en el habla del cine argentino. La tradición y sus quiebres. Relación con las formas actorales. La palabra autorizada. Formas regionales. Ciudad, ciudades, periferias.
Aprovechamos en esta ocasión la reciente publicación del libro “El cine como eco. Vaivenes de la lengua en el cine argentino” (coedición entre la Biblioteca ENERC INCAA y Ediciones CICCUS) de Fernando Varea - Licenciado en Comunicación Social (Universidad Nacional de Rosario), periodista e investigador especializado en medios audiovisuales, docente, colaborador en medios gráficos y programas radiales, programador de ciclos de cine, autor de “El cine argentino durante la dictadura militar 1976/1983” (Editorial Municipal de Rosario, 2006) y otras publicaciones, autor-editor del blog Espacio Cine (https://espaciocine.wordpress.com/) – a quien invitamos a exponer los tópicos centrales de su recorrido en el texto. De este modo, pasamos por las palabras que sobreviven o no al paso del tiempo en el cine argentino, los diferentes modismos y dialectos, la escasez de lo regional, el rol central de la generación del ochenta en la tradición de la lengua, las “palabras autorizadas”, los problemas que se plantean en las periferias que surgen en “Tire die” de Fernando Birri, el reemplazo de la idea de “evolución” de la lengua por “sacudidas”, el uso del lenguaje en “Pizza, birra, faso” en oposición a la tradición, el advenimiento del tango en el cine con la llegada del sonoro, el rol central de la radio y los radioteatros, los usos del lunfardo que aún se mantienen hasta hoy, el lenguaje en Leonardo Favio, el concepto de “actor popular” de Osvaldo Pelletieri en los personajes de Nini Marshall, la intersección de voces en “La ciénaga” de Lucrecia Martel, los usos de la política, la mención ambigua a Perón en “Los jóvenes viejos” de Rodolfo Kuhn y el tono crítico del Nuevo Cine Argentino de los sesenta.
Autores y películas que se mencionaron: “Nobleza gaucha” (Humberto Cairo, Ernesto Gunche, Eduardo Martínez de la Pera, 1915), “La guerra gaucha (Lucas Demare, 1942), “Tire die” (Fernando Birri, 1960), César González, “Pizza, birra, faso” (Adrián Caetano, Bruno Stagnaro, 1998), Pepe Arias, Carlos Gardel, “Así cantaba Carlos Gardel” (Eduardo Moreira, 1935), “El dependiente” (Leonardo Favio, 1969), “Se nos fue redepente” (espectáculo teatral de Nini Marshall comenzado a escribir en los años 40, y estrenado en 1973), “La ciénaga” (Lucrecia Martel, 2001), “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962).4 months ago por LuisFrancCine - 32 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “El fin de la ilusión”
Tema del día: Quiebre de la forma clásica. La imagen-tiempo. El concepto de vidente. Cine moderno como un nuevo hábito. Autores representativos. Cine moderno y cine de autor.
Pensamos el tema junto a Fernanda Alarcón (@ma.fernanda.alarcon) - Licenciada en Artes (UBA), docente de Análisis y Crítica de Cine y de Historia de las Artes Audiovisuales; coordinadora de los talleres “Miradas degeneradas” y “Máquinas de mirar” en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA); su tesis de maestría fue “Figuras vacilantes, paisaje, espectro y jardín en el cine de Lucrecia Martel” -. Abordamos el surgimiento, apogeo y caída del cine moderno desde los años sesenta; el aporte a la modernidad cinematográfica de Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse y Francis Ford Coppola, luego opacados por sagas o seriales; los ejemplos de Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul, Abbas Kiarostami, Lucrecia Martel, Pedro Costa y Paz Encina ; sobre cómo el cine moderno resurge en el nuevo cine argentino y en cines periféricos; las diferencias y similitudes entre cine moderno y cine de autor; las influencias de las vanguardias de los años veinte en la modernidad cinematográfica; sobre qué estructuras suele elegir la cinefilia; la elusión del conflicto central; la incorporación de un nuevo hábito; el efecto de “Mi vecino Totoro” de Hayao Miyazaki; sobre el concepto deleuziano de vidente y cómo generar la videncia en los espectadores; el tiempo como tema; el plano secuencia fijo como cliché contemporáneo, la trampa de “El arca rusa” de Alexsandr Sokurov; las estrategias de David Lynch como autor convocante y sus diferencias con Alain Resnais a través de “Hiroshima mon amour” y “Providence”; Alfred Hitchcock y Orson Welles como autores entre clasisismo y modernidad; la subversión de ciertos cánones narrativos por parte de Hitchcock con los casos de “Psicosis” y “Vértigo”; la posmodernidad en Mariano Llinas, Peter Greenaway y Quentin Tarantino; el manierismo según Serge Daney y la referencia a la mirada contemporánea de “Todo en todas partes al mismo tiempo” de Daniel Kwan y Daniel Scheinert.
Autores y películas que se mencionaron: Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse, Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul (“Memoria”, 2022) Abbas Kiarostami (“Donde está la casa de mi amigo”, 1987), João Pedro Rodriguez, Miguel Gomez, Pedro Costa, Alain Resnais (“Hiroshima mon amour, 1959 – “Providence”, 1977), Hayao Miyazaki (“Mi vecino Totoro”, 1988), Lucrecia Martel, Alfred Hitchcock (“Vértigo”, 1958 - “Psicosis”, 1960), Orson Welles, Paz Encina (“Eami”, 2022), Alexsandr Sokurov (“El arca rusa”, 2002), Mariano Llinas, Peter Greenaway, Quentin Tarantino, Daniel Kwan y Daniel Schneinert (“Todo en todas partes y al mismo tiempo”, 2022).8 months, 4 weeks ago por LuisFrancCine - 22 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Fantasmas que nos habitan”.
Tema del día: Los fantasmas de cada cual. El cuestionamiento de la razón. Fuentes del terror: cuando está en nosotros o cuando pertenece al mundo exterior. El terror en los comienzos del cine. Terror y humor. Los años setenta y ochenta como bisagra del género. Gore y slasher.
Para entrar en tema, contamos con la presencia con Melina Mendoza (@mvelita) – Estudiante de Letras (UBA), especializada en representaciones de la monstruosidad en diversas disciplinas artísticas y literarias, coordinadora de talleres de escritura y colaboradora de revistas digitales y festivales de cine –, con quien abordamos el cruce constante ente cine y literatura, la psicología y la psiquiatría en el género terror, el antecedente para el subgénero de vampiros del mito de Erzsébet Báthory, la novela “Carmilla” y sus adaptaciones cinematográficas, y sus analogías y diferencias con “Drácula”, publicado posteriormente. También se refirió a la influencia de la literatura de bolsillo en producciones cinematográficas de los ochenta y noventa del género, el cine de John Carpenter y las adaptaciones de novelas de Stephen King, la influencia del cine en la literatura – como en la producción de Mariana Enriquez y C.E. Feiling -, el giallo, la influencia en las formas del género por parte de los medios de comunicación, la diferencia entre el slasher y el gore, las “final girl” (chica que sobrevive al final), la cámara en relación a la mujer como víctima, el expresionismo alemán, la figura del asesino serial, cuando el terror no viene del afuera, los cambios en el género durante el cine silente y durante el sonoro, el “body horror” y el “exploitaiton”.
Películas citadas: “La mansión del diablo” (Georges Meliés, 1896), “La profecía” (Richard Donner, 1976), “Carnival of souls” (Herk Harvey, 1962), “El silencio de los corderos” (Jonathan Demme, 1991), “Scream” (Wes Craven, 1997), “Peeping Tom” (Michael Powell, 1960), “El viento” (Victor Sjöström, 1928), “Humanoids from the Deep” (Barbara Peeters, 1980), “Embrujada” (Armando Bo, 1969), “No mires atrás” (Nicolas Roeg, 1973) y la serie “Twin Peaks” (David Lynch, 1990/1991/2017).
Textos citados: “Carmilla” (Sheridan Le Fanu, 1872), “Drácula” (Bram Stoker, 1897), “El mal menor” (C.E. Feiling, 1996), “Giallo. Crimen, sexualidad y estilo en el cine de género italiano” (Compilación del Colectivo Rutemberg, 2019), y el cuento “Las fases de la luna” (Sara Gallardo, 1969).9 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 34 plays
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Editorial: “Pensamiento y cine, en ese orden”
Tema del día: Usos y abusos de la filosofía y el psicoanálisis para el análisis cinematográfico. El abordaje de Gilles Deleuze. Las fuentes de su filosofía. Los procesos de percepción en el cine, que se fueron perdiendo. ¿Qué es una imagen? El aporte del psicoanálisis tomando aspectos que desbordan los límites del yo, en oposición al psicoanálisis aplicado. Deleuze como moda.
En el comienzo y cierre del programa contamos con la palabra de Ricardo Parodi (@ricardoparodi02) – fundador y coordinador del “Centro de Teoría de la Imagen”, de los principales teóricos argentinos, con amplia experiencia curatorial y docente y vasta producción académica sobre filosofía del cine, especialmente centrada en el pensamiento de Gilles Deleuze -. El mismo planteó la diferencia entre “filosofía y cine” y filosofía “del” cine, reflexionando sobre el cine como “productor de filosofía” en oposición a los usos institucionales de la filosofía; además de explayarse sobre como los procesos perceptivos en el cine se han ido perdiendo, y el cine narrativizándose e institucionalizándose cada vez más. También hizo mención a modos de percepción contemporáneos donde sobreviene aún la búsqueda de una imagen; en tal sentido citó como ejemplo a cineastas mujeres como Kira Muratova o Jutta Bruckner. Luego brindó un panorama sobre el estado actual del cine argentino para finalmente mencionar a Spinoza, Hume, Nietszche, Bergson y Marx como fuentes de la filosofía deleuziana.
También contamos con la palabra de Olga Pilnik (@juliagrink) – psicoanalista, docente, supervisora clínica en diversas instituciones, con trayectoria en publicaciones del medio como “Letrafonía” donde publicó trabajos como “Montaje cinematográfico y angustia” y “El problema del tiempo en la representación cinematográfica”; autora de dos libros de cuentos: “Los días de noche” y “El vestido de arpillera” (bajo el seudónimo de Julia Grink) -. Se refirió a las relaciones entre cine y psicoanálisis y del cine como productor de pensamiento, planteando la diferencia entre pensar al cine desde una óptica psicoanalítica tomando aspectos que desbordan los límites del yo, fuera de los componentes narrativos de una película; y abordar una película para “psicologizarla” poniendo la teoría para “aplicarla al cine” (psicoanálisis aplicado). También destacó el valor del concepto de “opsigno” de Deleuze, como apertura al pensamiento.1 year ago por LuisFrancCine - 112 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Tema del día: Tensiones e integraciones entre lo académico y lo popular. La filosofía de Rodolfo Kusch como exponente de las integraciones de las culturas europeas y latinoamericanas. Los “puchometrajes”, cine hecho por Kusch. Cines latinoamericanos que expresan tales preocupaciones. Planteos formales del “Cinema novo” y el “Cinema marginal”, en Brasil.
Durante el primer tramo del programa, charlamos en el estudio con Adrian Muoyo (@adrianmuoyo) - director de la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), periodista y redactor en "Hacerse la crítica", integrante de la red Bibliotecas Iberoamericanas de Cine (BIBLIOCI) y miembro de la Academia Porteña del Lunfardo – quien aportó su conocimiento sobre el pensamiento de Kusch. Se abordaron aspectos como la necesidad de su pensamiento en contraste con el relegamiento de su obra en el tiempo, su aporte de carácter nacional y latinoamericano, el concepto de fagocitación, la integración entre la “pulcritud” europea y el “hedor” americano, sus aportes filosóficos más allá de su mirada desde la antropología, el concepto de pueblo y los puchometrajes.
Muoyo se quedó todo el programa con nosotros, integrándose en el segundo tramo a la conversación con Emiliano Colavitta – Docente universitario con experiencia en comunicación en medios, estudiante de la Maestría en Docencia Universitaria en la Universidad Tecnológica Nacional (UTN), locutor, poeta; actualmente trabaja en la digitalización del archivo sonoro de Rodolfo Kusch para el programa “Pensamiento Americano” de la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF) (http://www.untref.edu.ar/pensamientoamericano/programa.php) - , quien nos contó sobre dicho proyecto además de referir a lo popular como “lo segregado de la clase media”, el viaje de Kusch a Perú y la reformulación de la idea de fragilidad, lo académico y la educación no formal, el interrogante sobre el hecho de “ser el otro”, el hecho de ensayar una palabra nueva, la “antropología filosófica” y el programa “Pensar en movimiento”. Colavitta recomendó especialmente el texto del filósofo: “Indios, porteños y dioses”. La página de la UNTREF donde hallar directamente el material de Kusch es http://untref.edu.ar/icaatom/index.php/fondo-rodolfo-kusch;isad10 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 71 plays
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Luis Franc conversó con Sebastián Russo Dur: 46:37Luis Franc en su programa Periferias del Cine conversó con Sebastián Russo, docente, licenciado en sociología, investigador de la UBA y ensayista sobre cine argentino reflejando momentos históricos.
5 months, 1 week ago por RadioCaput - 5 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tensar la frontera de los géneros”.
Tema del día: De la mirada tradicional en el cine – apoyada en la confirmación y naturalización del mundo heterosexual como "orden natural" – a la apertura a cuerpos como multiplicidad.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Marco Berger (@marcobergercine), notable director argentino que trabaja en su obra la percepción del mundo gay - “Plan B” (2009), “Ausente” (2011), “Mariposa” (2015), “Taekwondo” (2016), “Un rubio” (2019) o “Gualeguaychú, el país del carnaval” (2021), entre otras - Marco se dedicó a brindar un amplio panorama de sus búsquedas de cámara, el trabajo con los cuerpos que habitan el cuadro cinematográfico, los tiempos de sus planos y la construcción de los espacios. Sobre el cierre de la entrevista, reflexionó sobre
Luego charlamos con Lucas Martinelli (@lucasmarciane), Dr. en Estudios de Género y Licenciado en Artes por la UBA, investigador en e, tituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Univ. De 3 de Febrero), compilador del texto ”Fragmentos de lo queer: arte en América Latina” y autor de “Rondas nocturnas. Sexo, exclusión y extravío en el cine argentino”, de próxima aparición. Lucas trazó un interesante panorama sobre las tradiciones de la imagen cinematográfica, sobre todo del cine argentino, marcando dos momentos clave: los años sesenta y los noventa. Durante la charla analizó películas como “Piel de verano” (Leopoldo Torre Nilson, 1961) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962). Luego de pasar por algunas reflexiones sobre el cine latinoamericano, nos dedicamos a abordar desde que lugares se establece o no el quiebre con las tradiciones en “Las hijas del fuego” (Albertina Carri, 2018) y en la obra de Pedro Almodovar.1 year ago por LuisFrancCine - 40 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Hasta hoy, el hecho maldito"
Tema del día: Pensar los vínculos entre cine y peronismo desde su irrupción en la vida política argentina. Películas y autores representativos. Los casos de Hugo Del Carril y Leonardo Favio. Políticas de Estado del primer peronismo.
Entrevistamos a Ricardo Manetti, Licenciado en Artes - Titular Regular de la UBA y la UNA, creador y ex director del BAFICI - quien más allá de actualizarnos sobre la cuestión durante el primer peronismo amplió el panorama más allá de 1946 a 1955, con la mención de trabajos de Rodolfo Kuhn, Fernando Ayala y Lucas Demare en los cuales, de diversos modos, el peronismo esta presente. También brindó un panorama sobre el rol de las mujeres en el cine de aquel período inaugural.
En el segundo tramo del programa, conversamos con Clara Kriger – Doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA), docente de la UBA y de la Universidad Torcuato Di Tella y autora del libro “Cine y peronismo. El Estado en Escena” – quien brindó un exhaustivo panorama sobre las políticas estatales sobre cine del primer peronismo, el rol protagónico del Estado en las ficciones, la creación de la primera ley de cine y los créditos otorgados a la industria cinematográfica.1 year, 4 months ago por LuisFrancCine - 70 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Contra la naturaleza”.
Tema del día: Fronteras, tensiones y multiplicidades del cuerpo. El cuerpo universal como atentatorio a la tensión. Mundos queer. La recepción de lo queer.
Esta emisión se propone como extensión del Programa 22 (“Cine y diversidad sexual”), para centrarnos sobre todo en los mundos queer. Para ello, contamos con la presencia de Goyo Anchou (@goyoanchou) – director recibido en la Universidad del Cine (1991-1995); entre su producción se cuentan trabajos como “Safo” (2003), “La peli de Batato” (2011), “Heterofobia” (2015) y “El triunfo de Sodoma” (2020) - . El primer tramo de la charla se centra en reflexiones sobre la ausencia en Argentina de políticas estatales para la preservación de material cinematográfico. Luego Anchou se refiere a la figura de Batato Barea como mito, a la recepción de lo queer como acto de creación por parte de les espectadores, de las condiciones y el proceso de producción de “La peli de Batato”, de la gran entrevista a Alejandro Urdapilleta incluida en el filme (el crudo sin editar es imperdible: https://www.youtube.com/watch?v=YiZnst9NAAY). En el segundo tramo del programa nos dedicamos a pensar “El triunfo de Sodoma” (aquí, un texto sobre la película: https://hacerselacritica.com/20o-doc-buenos-aires-el-triunfo-de-sodoma-tensar-la-cuerda-normativa-por-luis-franc/). El director nos cuenta su trabajo de varios años para la concepción del material, nos narra la captación documental del momento inaugural de la película en el Encuentro Nacional de Mujeres en Mar Del Plata, la utilización en el material del slogan “Muerte al macho” como concepto, la pregunta sobre el arte que atraviesa el trabajo, las posibilidades de recepción del mismo y el juego que establece con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
En dos tramos del programa contamos también con la palabra de Enzo Monzón (https://www.enzomonzon.com/enzo) (@nzomonzon_audiovisuales) – realizador audiovisual rosarino, actual residente en Barcelona, entre sus trabajos se cuentan los cortometrajes “Radioactiva” (2017), “El drak de Miuka” (2018) y el largometraje “Reina hormona” (2021) – quien nos aporta sobre sus diferencias con el cine de Marco Berger, el rol del cuerpo, la diferencia entre lo trans y lo queer, lo no binario, el drag queen, la apertura del mundo LGTB hacia lo cinematográfico en modo extendido, los embarazos masculinos y sus trabajos a modo de homenaje sobre la figura de Pedro Almodovar. Nos ejemplificó su exposición con algunos de sus trabajos.7 months, 1 week ago por LuisFrancCine - 23 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Cuerpos de la actuación”.
Tema del día: El terreno de la actuación como diversidad de estilos. Técnicas actorales. El actor como cuerpo que acciona. ¿Existe un modo de actuación argentino?
En el primer tramo del programa entrevistamos a Raúl Serrano (@maestro_raul_serrano) –maestro y referente histórico de varias generaciones de actores, autor de múltiples textos académicos sobre pedagogía teatral (como “Nuevas tesis sobre Stanislavski – Fundamentos para una teoría pedagógica” y “¿Se puede enseñar a crear? – Contexto, análisis, propuesta”) y director desde 1981 de la ETBA (Escuela de Teatro de Buenos Aires). Raúl nos hizo partícipes no solo de su metodología sino de la dimensión ética en la que la misma se apoya, estableciendo parámetros básicos como el hecho de que todo se produce en el marco de la escena, contrariamente a las búsquedas de la emoción a priori. Sobre el final de la charla reflexionó la forma de actuación argentina por excelencia, el grotesco.
Luego contamos con la palabra del director Gustavo Fontán (@ellimoneroreal_pelicula) – “La orilla que se abisma”, “El limonero real”, “La deuda” y “El piso del viento” (codirigida con Gloria Peirano), entre otras – quien compartió su forma de trabajo con los actores. Sec refirió al posicionamiento del cuerpo del actor en el plano, lo visible y lo invisible de la actuación y la armonización de las diferentes propuestas actorales en una misma obra.
Durante el segundo tramo charlamos con Carlos Belloso (@bellosoactor) – actor de teatro (ex integrante del dúo “Los melli”, junto a Damian Dreizik y creador de un vasto mundo de personajes en espectáculos de su autoría como “Para, fanático” y “Dr. Peuser”, además de trabajar con variados directores), cine (“Felicidades” de Lucho Bender, “La niña santa” de Lucrecia Martel, entre otras) y televisión, lo que le valió el reconocimiento popular mas extendido. Nos compartió principalmente su método de actuación, quien es su actor de referencia y la forma de trabajo con Lucrecia Martel.1 year, 1 month ago por LuisFrancCine - 73 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “En busca de una imagen”.
Tema del día: Cual es el rol del director de fotografía en una película. Sentidos comunes de la fotografía.
Para profundizar en el tema, nos acompañaron durante el programa Hugo Colace – egresado de la Escuela de Arte Cinematográfico de Avellaneda (EDAC), vicepresidente de la Asociación de Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), docente de talleres y seminarios de fotografía y cámara para institutos y universidades de cine de Argentina (como la UBA, UNDAV y la UNPA) y en Europa y Latinoamérica; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Christian Pauls, Juan José Jusid, Lucrecia Martel, Carlos Sorín y Hugo Gimenez – y Lucio Bonelli – Director de Fotografía por la Universidad del Cine (FUC), director de fotografía y camarógrafo desde el año 2000, habiendo trabajado en más de cincuenta largometrajes de ficción, documentales y series; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Damian Szifrón, Lisandro Alonso, Ana Katz y Mariano Llinas - . Con ellos profundizamos en la idea del cine como construcción de climas, el vínculo del director de fotografía con el director, la relación con el guión, el trabajo con la luz y el color, primeros acercamientos al guión y profundizaciones posteriores, el rol de la puesta de cámara, los modos del trabajo y de percepción del registro fotográfico durante el período del fílmico y el pasaje a los tiempos actuales del digital, las ventajas del digital con respecto a la democratización de las imágenes, las diferencias en los usos de la cámara en ambos formatos y el condicionamiento actual de las narrativas por la incorporación de nuevos dispositivos.
Los invitados nos ampliaron su experiencia con (en orden de mención): Anahí Berneri, Lisandro Alonso, Christian Pauls, Eliseo Subiela, Damian Szifrón, Mariano Llinas, Lucrecia Martel y Hugo Gimenez.9 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 36 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: “El humor como acto de liberación"
Tema del día: Pensar el humor. Sus variadas formas. Cine y humor, desde los comienzos. Cambios de los modos de humor en el tiempo. Métodos de abordaje a través de la actuación y el guion. El humor y los genocidios. No nos reímos todos de lo mismo. La corrección política como condicionante. Contamos con la palabra de Eduardo Rojas – escritor y crítico en “El amante – cine” y actualmente en “Hacerse la crítica”- Luego reflexionamos acerca de los pensamientos sobre el tema de Damian Dreizik – actor, director, guionista – y de Sergio Langer – humorista gráfico -.1 year, 5 months ago por LuisFrancCine - 130 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Del lenguaje al mito, del mito a la literatura. ¿Y el cine?”.
Tema del día: Puentes, vínculos posibles, anexiones entre literatura y cine. Posibilidades de transposición al cine de textos literarios. La especificidad del cine y de la literatura. Cine y literatura como artes autónomas. Poéticas.
En el primer tramo del programa charlamos con Roque Larraquy (@roquelarraquy) – escritor, guionista, docente de narrativa literaria y audiovisual, ex director de la Licenciatura en Artes de la Escritura (UNA), con tres grandes novelas publicadas y traducidas a varios idiomas: “La comemadre” (2010), “Informe sobre ectoplasma animal” (2014) y “La telepatía nacional” (2020) -. Con él pensamos a la literatura y al cine en sus especificidades, nos interrogamos acerca de por qué el cine tomó el camino predominantemente narrativo y de “artefacto comunicacional” en la búsqueda de un “decir” más nítido. Luego se dedicó a desarrollar que es lo que toma el cine de la literatura, las transposiciones y sus vínculos con el texto de origen. Cerramos la charla con la referencia a las películas de Gustavo Fontán centradas en textos poéticos, como “La orilla que se abisma” (2008).
Luego conversamos con David Oubiña – periodista, crítico, guionista, Dr. en Letras (UBA), investigador del Conicet, integrante del consejo de dirección de la revista “Las ranas”, autor entre otros de los libros: “Filmologías. Ensayos con el cine” (2000), “Jean Luc Godard, el pensamiento del cine” (2003), “Estudio crítico sobre ¨La ciénaga¨” (2007) y “El silencio y sus bordes. Modos de lo extremo en la literatura y el cine” (2011), del que nos ocupamos durante la charla –. La charla circuló por la integración entre textos literarios y películas que llegan a la desarticulación del lenguaje hasta llegar a un borde, el caso de la literatura y el cine de Samuel Beckett, sobre si es o no posible pensar en un relato independientemente de las formas, las gramáticas textuales y gramáticas visuales, la “fidelidad al texto” como idea absurda, sobre como Won Kar Wai y Hugo Santiago tomaron los estilos de Manuel Puig y Jorge Luis Borges respectivamente sin tomar ningún texto específico, sobre las estategias de Saer y el Borges crítico de cine.1 year ago por LuisFrancCine - 55 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Desnaturalizar el horror”.
Tema del día: El cine argentino que promueve simbólicamente o explícitamente la antipolítica, contemporáneamente promovida desde el neoliberalismo, sea a partir de la apología, naturalización o relativización de los años más oscuros del país o de la promoción de identificaciones con aspectos individualistas y discriminatorios.
Para aprovechar a fondo estos tópicos, conversamos con José Luis Visconti - Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en “Hacerse la crítica”; autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983” -, quien nos adelantó aspectos centrales de su próximo trabajo: “La década perdida: acercamientos a la antipolítica en el cine argentino 2009-2019”. Con él conversamos sobre cómo operan en ciertas películas del citado período la institución del otro como obstáculo, la justificación velada o manifiesta de la represión, torturas y asesinatos durante la dictadura cívico-militar 1976/1983, el borramiento de la historia y la política, los intentos de responsabilizar por igual a organizaciones armadas y aparato de Estado - cargando más las tintas sobre las primeras -, la licencia identificatoria a cometer actos violentos contra el prójimo, la promoción del individualismo y la desaparición de lo colectivo. También se refirió al BAFICI como marco elegido para el lanzamiento y promoción de varias de estas películas, a los cambios en dicho festival a partir de la asunción como jefe de gobierno de Mauricio Macri y reemplazo para la dirección de Fernando Martin Peña por Sergio Wolff y Marcelo Panozzo y al rol en aquellos tiempos de la revista “El Amante”.
Películas citadas: “El hombre de al lado” (Mariano Cohn/Gastón Duprat, 2009), “El ciudadano ilustre” (2016), “Secuestro y muerte” (Rafael Fillipelli, 2010), “El diálogo” (Carolina Azzi/Pablo Racioppi, 2014), “Eva no duerme” (Pablo Agüero, 2015), “Espacio gratuito. Cinco reglas para ganar una elección (Azzi, 2017), “El Olimpo vacío” (Azzi/Racioppi, 2013), “El estudiante” (Santiago Mitre, 2011), “La cordillera” (Mitre, 2017), “Relatos salvajes” (Damian Szifrón, 2014), “Esto no es un golpe” (Sergio Wolff, 2018), “El cuento de las comadrejas” (Juan José Campanella, 2019).9 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 28 plays
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Editorial: “El otro y lo mismo, desde el origen del cine”
Tema del día: La construcción del otro en el cine, desde su origen hasta los géneros tradicionales. Como aparece en el documental, en el terror, en el western. El otro como quien “me robó” mi Paraíso.
En el primer tramo del programa contamos con la palabra de Natacha Mell (@natachacine) - realizadora, antropóloga, ex directora de la Escuela de Cine de Avellaneda (IDAC), investigadora del Museo del Cine y redactora de las revistas “24 cuadros” y “Extremo Sur”, coordinadora editorial de la revista internacional de arte y cultura “Voces insurgentes” y participante en diversos espacios espacios radiales sobre cine, como la columna de cine de “Filosofía Rock” en Radio Caput (@filosofiarock) - , quien se encargó de definir la otredad en oposición a la mismidad, además de pensar las principales construcciones de la otredad en el cine, el caso del documental, el tópico del exotismo, los miedos que se construyen desde el cine de terror, el cine de Jorge Preloran como alternativa a la construcción de otro y el caso del cine fronterizo argentino con eje en Lucas Demare y “La guerra gaucha” (1942).
Durante el segundo tramo charlamos con Oscar Cuervo – filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra (@laotra21) (https://tallerlaotra.blogspot.com/) y especialista en la filosofía de Soren Kierkegaard, sobre el cuál escribió varios artículos y el texto “Kierkegaard. Una introducción” (Editorial Quadrata) -, con quien abordamos a las construcciones sobre el otro en el cine de géneros norteamericano, en especial en el western. En tal sentido referimos durante la conversación a la película “The taking” (Alexandre O. Philippe, 2021), que deconstruye al western como creador de un espacio ficcional mítico. Luego se avanzó sobre el cine de Clint Eastwood como continuidad de esa tradición, para concluir sobre el cine del israelí Avi Mograbi como apuesta a una forma que denuncia la otredad en su país. Estuvo presente también la reflexión sobre el escaso cuestionamiento a la construcción de otredad en el western por parte de sectores de la cinefilia.1 year, 3 months ago por LuisFrancCine - 55 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: “Toda acción es política"
Tema del día: Ningún cine escapa a lo político. Cines expresamente políticos. Costa Gavras y el cine militante. Reflexiones en torno a “Lo que el viento se llevó” (Victor Fleming, 1939). Cine político argentino: Grupo Cine Liberación y Cine de la Base. Trazado del concepto de autoría en el cine argentino a través del tiempo. Los casos de “Prisioneros de la tierra” (Mario Soffici, 1939) con el recurso a la tragedia; y de “Las aguas bajan turbias” (Hugo Del Carril, 1952), con el recurso al melodrama. Los “Nuevos” cines argentinos.
Contamos con la palabra de Charo Lopez Marzano – docente de Historia (UBA) y ensayista – en relación a sus textos “El Grupo Cine Liberación o la militancia denotada” (Revista Mestiza: https://revistamestiza.unaj.edu.ar/el-grupo-cine-liberacion-o-la-militancia-denotada/) y “Por las sendas argentinas. Un derrotero por el cine político-militante de Raymundo Gleyzer” (Revista Fotocinema: https://revistas.uma.es/index.php/fotocinema/article/view/5102/4794). Luego entrevistamos a Gustavo Aprea - Doctor en Ciencias Sociales (UBA), docente de Artes Audiovisuales y Crítica (UNA) e investigador – quien estableció un recorrido por la idea de autoría en el cine argentino y de las dimensiones de lo político con eje en su ensayo “La muerte y la resurrección del autor en el cine argentino: las lecturas del cine político y las vanguardias estéticas” (en “Imagen, política y memoria” Compilación de Ricardo Yoel).1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 108 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Invisibilizaciónes y luchas"
Tema del día: Pensar el rol de las mujeres en el cine, con eje en las realizadoras. Cámaras de mujeres como posibilidades de lo múltiple. Mujeres y estereotipos. Los mundos de María Luisa Bemberg, Albertina Carri y Lucrecia Martel. La primera realizadora de cine sonoro en Argentina: Vlasta Veh.
Tomando como base el informe sobre mujeres directoras publicado en “Hacerse la crítica”, nos prestan su voz el crítico y editor de la página Gabriel Orqueda, a propósito de su texto sobre el cine de María Luisa Bemberg (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-maria-luisa-bemberg-por-gabriel-orqueda/), la Licenciada y Profesora en Artes Constanza Grela quien escribe sobre la obra de Albertina Carri (http://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-albertina-carri-por-constanza-grela/) y la crítica y ex co-directora de la revista “Pez dorado” Soledad Bianchi quien trabaja el cine de Lucrecia Martel (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-lucrecia-martel-por-soledad-bianchi/).
Durante el segundo tramo conversamos con la guionista y realizadora audiovisual Candela Vey, quien se encuentra dirigiendo junto a Tino Pereira el documental “Vlasta, el recuerdo no es eterno” sobre Vlasta Lah, primera directora de cine sonoro en Argentina cuyos dos largometrajes - “Las furias” (1960) y “Las modelos” (1963) – se encuentran disponibles en Youtube. Además de trazar una semblanza sobre la directora, Vey nos actualizó sobre el tratamiento de las mujeres en el trabajo de Lah para finalmente referir a su propio trabajo sobre la autora, actualmente en proceso.1 year, 4 months ago por LuisFrancCine - 85 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "El ser del cine"
Tema del día: El cine, ante todo es percepción. La percepción como tema mismo en las películas.
Piensan el tema con nosotros el crítico, analista y docente Roger Koza y el cineasta y escritor Gustavo Fontán, con quien aprovechamos para charlar sobre "Maraña", compilación de ensayos de su autoría.1 year, 7 months ago por LuisFrancCine - 118 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tiempo y recepción”.
Tema del día: Diversas posibilidades del tiempo en el cine. Desde el más tradicional – tiempo lineal, de ritmo sostenido – hasta otras alternativas de quiebre con dicha costumbre. La forma-género, las posibilidades de apostar a la cadencia en el plano y las alternativas a lo mental.
Antes de meternos de lleno en el tema, entrevistamos a Horacio Mosquera – director del Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo -, quien nos actualizó sobre el sentido simbólico del museo, las refacciones que se están efectuando, las nuevas políticas de la institución y las actividades que se están llevando a cabo.
Luego continuamos con nuestro tema central con referencias a Henri Bergson y a los dos tomos de Gilles Deleuze sobre cine: “La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”, invitando luego a participar de la charla a Nicolás Zukerfeld (@nzukerfeld) - director de cine y profesor de la Universidad del Cine (FUC) en Historia del Cine 1, Guión 2 y Documental, miembro del staff de “Revista de Cine”, editado por la misma institución –, quien disparó su participación a partir de la experiencia en sus clases y la referencia al ineludible Alain Resnais. Luego, seguimos abordando el tema central haciendo eje en su última película “No existen 36 maneras de mostrar como un hombre se sube a un caballo” (2020).
11 months, 4 weeks ago por LuisFrancCine - 44 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un espacio se puebla”.
Tema del día: De escenografías y puestas en escena. Pensamientos de los espacios en relación a las estructuras cinematográficas. Verosímiles del espacio, artificio, realismo. La disposición de los elementos. Creación de una atmósfera a partir del concepto de escenografía. El rol del vestuario.
Luego de trazar un panorama general sobre las posibilidades de la escenografía en relación a las estructuras en cine, consultamos a un profesional de varias décadas en lo que hace al diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo – quien cuenta entre sus maestros a Agustin Alezzo, Guillermo de la Torre y Susana Torres Molina; Mateo es además un director teatral de vasta experiencia (“Ojo al bagre”, “Ayer soñé con la muerte”, “Locas por Manuel”, “Mujeres porteñas”, “Puesta en claro”, “Puto”, entre otras); participa de Teatro Abierto 1983/84 y en Teatro por la Identidad, y hace una enorme carrera como escenógrafo y vestuarista en teatro y cine, con trabajos para Alejandro Tantanián, Arístides Vargas, Oscar Barney Finn, Osmar Nuñez, Lía Jelin, Bernardo Cappa y Gustavo Fontán -. La conversación se centró sobre todo en su mirada como escenógrafo, en la distinción entre escenografía y puesta en escena, en el pensamiento sobre un espacio escenográfico que proponga un reposicionamiento de los cuerpos en escena y del de los espectadores más allá de su habitual comodidad en la butaca, y en el espacio como invención. Como gran ejemplo, nos contó sobre sus trabajos con Gustavo Fontán, con eje en “El limonero real” y “La deuda”, y sobre su experiencia con Tantanian por un lado, y con “Teatro Abierto” por otro. Las referencias al papel del vestuario encontraron un interesante punto a la hora de clarificar las diferencias de búsqueda con verosímiles televisivos.11 months ago por LuisFrancCine - 35 plays
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